Daniel Buchner (1984), is a young autodidact, digital native artist. With a background in electronic dance music he creates his art as he does his music, solely by computer. His works are created 100% digitally. As he puts it: “no pencils, no paint, no mess.”
Daniel takes minuscule pictures of inspiring photographs, art pieces etc. He then takes out all color gradients, this way hard edged colour pixels remain. After that he edits, rearranges, cuts, pastes and combines – composes, if you will – these pixels to become new works of art.
Titles of his compositions always refer to the original work. This way the old always stays connected to the new. Capturing the present perpetually.
Artist Statement:
In the early years of the 20th century a movement started in The Netherlands under supervision of Theo van Doesburg. It was called De Stijl or Neoplastisicm. Its most renowned member was Piet Mondriaan. De Stijl advocated an expression of a new utopian ideal of spiritual harmony and order by abstraction and universality. Reduction to the essentials of form and colour.
It were turbulent times in both art and everyday life. Now, more than 100 years into the future, turbulent times arise once again. Global crises and hardship reign. Balance is no longer an ideal, it’s a necessity.
Daniel states: ”My compositions are an exploration into a new Neoplasticism. Order through abstraction in form and colour. Leaning heavily on the vision of spiritual harmony”.
All Prints are for sale. Please contact the artist.
Louis-Philippe Van Eeckhoutte is an independent curator and critic based in Belgium. From 2010 to 2018 he was director at Office Baroque in Antwerp & Brussels. In 2018 he was Artistic Director of the Brussels Gallery Weekend and curator of the first edition of Generation Brussels. Since 2018 he has been the curatorial advisor for the Rediscovery section of Art Brussels. In 2020 he co-curated the 7th edition of Currents at Z33 in Hasselt. He is currently guest lecturer at the Royal College of Art in London. He is also the founder of the online interview series Drawing Room Play (www.drawingroomplay.com).
DR / Louis-Philippe Van Eeckhoutte, 2021 IG / The Nanny Art
Ronni Squizzato is a self-thought Venetian artist born in 1980. He studied architecture but soon developed an interest in graphic design. His strong passion for kinetic art and optics fuelled in him the desire to create an artwork made of geometric, regular shapes that move and infuse irregular sensations and deceptive feelings, in an attempt to allure the eye of the watcher. By playing with colour, shape and perspective in a completely personal way, Ronni approaches every canvas with different tools such as tape, stencils, or anything else that could help him break structural rules.
Drôle de colis devant la porte de la rédac ce matin. On l’ouvre pour trouver un sorte de livre hybride poussé à fond par des designers graphiques qui visiblement savent ce qu’ils font (Pierrick Brégeon et Clément Rouzeau). Différents papiers : du super-glacé au journal, de magnifiques photos, des plans expliquant la rénovation de la gare de Vevey, des interventions d’artistes (par exemple) Simon Paccaud), et beaucoup d’informations technique mais si bien mises en page qu’on se prend pour le Corbusier. On y trouve aussi des journaux (en six numéros distincs). Le tout fourni avec un super tote-bag pour vous la péter!
L’association qui a mis au point cette affaire se nomme Amaretto. Elle comme but de mettre en avant l’art, le design, l’architecture, la musique, le graphisme, le cinéma, la photographie, etc. C’est la raison pour laquelle l’association a mis en place le concept Revelo (dont Revelo N1 qui est le premier de la série!) et qui possède une Halle de plusieurs centaines de mètres carrés, afin de créer des événements dans ces différents domaines. Leur but final est de créer des passerelles entre toutes ces disciplines en mettant en place des nouveaux événements dans lesquelles tous ces intervenants travailleraient ensemble autour d’un projet commun à présenter au public. C’est aussi une façon de mettre en avant ces créateurs un peu moins connus auprès du grand public.
Liste exhaustive des intervenants :
Pierrick Brégeon et Clément Rouzeau – graphistes – @std (instagram) et https://www.p-b.li/ (Plus Beaux Livres Suisses 2017 pour Early Video Arts ainsi que le prix Graphic Design Festival Scotland 2018 pour sa campagne d’affichage du Festival Les Urbaines. En 2020 le studio a été sélectionné pour le prix des Swiss Design Awards)
« Ici, sur une roche entourée des montagnes témoins d’une région née de la manifestation de forces primaires, il y a de cela des millions d’années. Des sculptures de pierre géantes, des forêts de pins denses, des prairies parsemées de fleurs alpines et les sommets majestueux recouverts des neiges éternelles, prêts à captiver tous les sens. A une altitude de 1 616 mètres, juste un peu plus près du soleil, de la lune et du ciel, avec ses nuages qui apportent la blancheur hivernale, enveloppent tout comme dans du coton et plongent la montagne dans un univers de silence et de paix. Là, vous pouvez oublier le temps, oublier d’où vous venez, oublier où vous allez. Profiter de la vie avec tous vos sens. Et les événements des jours et des nuits, quelques importants ou minuscules qu’ils puissent être, en demeureront inoubliables. C’est le lieu où les chambres n’ont pas de numéro, où la philosophie d’Etre et temps ne connaît pas de limites, où toutes choses narrent l’histoire du vaste monde, où elles furent forgées et où furent réinventés les jours en harmonie avec les éléments. » Tel est THE OMNIA
Le nom de ce Mountain est emblématique de la philosophie qui l’a inspiré. Le mot « omnis » est un terme latin signifiant « tout, toute chose, la totalité, la complétude ». Librement traduite, la forme féminine, « omnia », signifie « le tout, l’ensemble, la globalité ».
THE OMNIA, avec son site unique, ses aménagements d’intérieur, sa cuisine gastro- nomique, son programme de bien-être complet et les personnes qui le font fonctionner, s’efforce de créer un environnement pour des moments de paix inoubliables, en total harmonie avec la nature. THE OMNIA est le fruit de la fusion d’une grande variété d’éléments et de différentes influences qui, ensemble, créent un tout harmonieux.
ARCHITECTURE ET DESIGN
UN DIALOGUE ENTRE DES CULTURES
THE OMNIA est une relecture contemporaine du Mountain Lodge conventionnel. Ici, dans les Alpes suisses, le Mountain Lodge, concept d’origine américaine, a été harmonisé avec son environnement européen par l’architecte new-yorkais Ali Tayar. Ce dialogue entre les deux cultures a constitué le point de départ de la conception du design. Tandis que les matériaux et l’artisanat reflètent la tradition du Valais, le mobilier s’inspire du modernisme américain chaleureux et artisanal. Cette période du design du 20ème siècle est revisitée à THE OMNIA par les œuvres d’un groupe de designers américains d’origine européenne qui, par leurs racines mêmes, ont fortement influencé la scène d’outre-Atlantique. Parmi ceux-ci figurent Mies van der Rohe, Raymond Loewy, Vladimir Kagan et Eero Saarinen. Leurs œuvres sont complétées par les systèmes d’aménagement USM, considéré comme un classique du design et qui figure en bonne place dans les collections permanentes du Museum of Modern Art de New York.
La majeure partie du mobilier a été fabriquée à la main et conçue par Tayar en fonction des besoins spécifiques du Mountain Lodge. Il a élaboré le concept du mobilier destiné à THE OMNIA sur la base de la devise selon laquelle « tout trouve son chemin jusqu’à ses origines ». Le granit gris et le chêne blanc constituent le leitmotiv, qui est complété par d’autres matières naturelles, telles que le cuir et le feutre. Les matériaux proviennent essentiellement de Suisse et ont été fabriquées par des sociétés locales. Tous les objets imaginés par Ali Tayar ont été réalisés par le studio ASV Anton Schnidrig de Visp.
Ali Tayar est né à Istanbul en 1959. Il a étudié l’architecture à l’université de Stuttgart et au Massachusetts Institute of Technology (MIT). Il vit actuellement à New York, où il a fondé, en 1992, l’atelier Parallel Design Partnership. Au nombre des œuvres réalisées par Ali Tayar figurent aussi bien des objets que du mobilier ou des projets architecturaux. Il fut reconnu à Manhattan pour ses projets tel que la Gansevoort Gallery, la Waterloo Brasserie, le Midway Restaurant, le PoP Lounge et le salon John Frieda dans Madison Avenue. Certaines de ses œuvres ont été exposées au Museum of Modern Art de New York et dans des galeries renommées, ou font partie des collections permanentes du Metropolitan Museum of Art. Il est responsable de la décoration intérieure de THE OMNIA. Lorsqu’il lui a été demandé s’il aimerait faire partie du projet, il a immédiatement répondu : « J’attrape un crayon, j’arrive ! ».
L’OFFRE
LOCATION THE OMNIA est implanté au centre de Zermatt, perché sur un rocher, à 45 mètres au-dessus des toits de la ville. Après avoir emprunté un tunnel, les hôtes accèdent à un ascenseur qui les emporte à travers la montagne jusqu’au hall de l’établissement, situé à une altitude de 1 649,4 mètres au-dessus du niveau de la mer.
L’ESPACE 30 chambres, dont 12 suites, une bibliothèque et un restaurant équipés de cheminées, un lounge bar, une salle de conférence, une caverne et deux terraces, très haut au- dessus des toits de Zermatt, avec le Cervin pour voisin.
Les chambres n’ont pas de numéro. Impossible d’imaginer des chambres et des suites plus différentes. Leurs tailles et leurs aménagements différent, de la chambre Queen Size (24 mètres carrés) à la suite OMNIA (110 mètres carrés), en passant par les chambres doubles Deluxe (45 mètres carrés), les suites (70 mètres carrés) et enfin les Tower Suites (90 mètres carrés).
Toutes les chambres et les suites comportent des balcons privés, et la plupart jouis- sent d’une vue unique sur les sommets environnants, dont le Rothorn, le Stockhorn, le Gornergrat, le Mont Rose et le Cervin. Au nombre des aménagements proposés figurent des cheminées, d’élégantes baignoires ouvrant sur des baies vitrées, des jacuzzis et même des saunas. Toutes les chambres et les suites sont équipées d’un minibar, d’un accès Internet par réseau local sans fil, d’un écran de télévision LCD, d’un système de sonorisation, d’un coffre et d’un téléphone. Des lecteurs de DVD, films et morceaux de musique sont disponibles sur demande.
RESTAURANT Un buffet petit-déjeuner complet attend les clients de l’hôtel dans un restaurant spacieux d’une capacité d’accueil de 60 personnes. Plus tard, au cours de la journée et pour le dîner, le restaurant est ouvert aux clients de l’hôtel et aux personnes venant de l’extérieur. Notre chef Hauke Pohl maîtrise parfaitement l’art, le goût et donc l’authenticité des produits alpins locaux et des produits de saison de qualité. Pure, simple, moderne – souvent avec une touche et des nuances venant de pays lointains. Faits pour être dégustés sur la terrasse, dans le hall, en salle de réunion ou dans les chambres, ses plats saisonniers se reconnaissent à leur fumet riche et naturel.
CAVERNE – CLUB, CONCENTRATION, CINÉMA THE OMNIA est perché tout en haut d’un éperon rocheux, et sa caverne y est nichée au plus profond. La caverne est un espace de verre et d’acier, multifonctionnel, entouré de granit, qui flotte au-dessus d’un plan d’eau dans une cave artificielle. Roche noire, acier, verre et tons boisés chaleureux définissent cet espace. La lumière donne sa texture à la roche et joue avec les reflets de l’eau. Un espace spectaculaire au sein d’un lieu terré dans la falaise, isolé du reste du monde. Un lieu propice à la créativité, à la tranquillité, à la concentration, mais aussi aux plaisirs et aux divertissements. La caverne est un espace unique pour les réunions et les vidéoconférences, les dîners, les films, la musique et la détente, doté d’une technologie ultramoderne : Écran de projection électronique, 300 x 169 cm, projecteur ACL 100 % haute définition, lecteur DVD haute définition/disques BluRay, système ambiophonique BOSE, accès LAN sans fil gratuit, caméra vidéo couleur de communication Tandberg pour les vidéoconférences, système DJ complet avec console de mixage, 2 platines et un changeur de CD.
BIEN-ÊTRE Le centre de bien-être, avec son atmosphère onirique, est gage de pure détente. Il est équipé d’une piscine in-/outdoor, d’un sauna finlandais, d’un bain turc, d’un caldarium, d’une « flower steam room », d’une salle de relaxation et d’un jacuzzi en extérieur offrant une vue sur le village et le Cervin. Une salle de fitness dotée de tous les équipements de pointe et deux salles de massage complètent les multiples équipements de l’hôtel.
STAFF / VÊTEMENTS La tenue de travail a été créée par le styliste John Arnold (né en 1975). Portant l’étiquette J.J.East, ses modèles allient élégance, confort et fonctionnalité. Ils ont été créés en exclusivité pour l’OMNIA et sont adaptés aux diverses tâches des membres de l’équipe. Tous les vêtements sont fabriqués en Suisse par une entreprise familiale. Les matériaux naturels sont fournis par des entreprises suisses traditionnelles qui utilisent les toutes dernières techniques de production, comme la coupe au laser.
PRODUITS POUR LE CORPS THE OMNIA offre des produits pour le corps Aesop. Aesop fut fondée à Melbourne en 1987 avec l’ambition de créer une gamme de soins d’exception pour le visage, les cheveux et le corps. On utilise que des ingrédients de la plus haute qualité, riches en antioxydants et dont l’efficacité a été prouvée, qu’ils soient issus des plantes ou du laboratoire. Les arômes exquis qui font la renommée d’Aesop en sont une agréable conséquence. Aesop encourage tous les efforts humains qui conjuguent souffle visionnaire et rigueur intellectuelle, avec une pincée de fantaisie. Nous fabriquons chacun de nos produits avec le même souci du détail que celui qui nous anime dans la vie de tous les jours.
The Omnia
Mountain Lodge Auf dem Fels CH-3920 Zermatt SWITZERLAND
I love bright, bright colours, in big hunks and chunks. Details zoomed in on. Light and shadows, folded-in-on itself to present something altogether different but recognizable. Alluring and intriguing. Never boring. Always engaging. Right now that comes out as paintings, on big canvases, close-up slightly abstract and yet incredibly crisp at the same time.
As a child of the 80’s/90’s not only was I influenced by the bold in your face neon colours, big shoulder pads and modern technology take over, I was also greatly influenced by both my baby boomer parents and my grandparents. I’m very inspired by pop culture, fashion, style, design and architecture across many generations as far back as the 1920’s art deco and flapper girls right through to the 2000’s mega stars like Lady Gaga and the haute couture trends of today. As a self taught artist I’m influenced by the well known artists I had access to, many popularized in pop culture like Tamara de Lempicka, Rene Magritte, Andy Warhol, Pablo Picasso.
My work takes from my obsession with fashion and that the clothes we wear is how we tell the world who we are, or maybe who we aspire to be. Sometimes it speaks our culture and can connect us to a place or time in history. Sometimes it blurs the lines of all that. It always tells a story.
I start with an image or a piece of clothing that inspires me. It has to speak to me. I’m slow. I work in many layers. I start with acrylic to block in main colours and shapes quickly. Then I switch to oils. I take my time carefully studying my references and refining section by section.
I love that my paintings look realistic from far, but up close as I work it’s just abstract colour and shapes—like an illusion.
I create because it’s fun, it challenges me and gives me energy. I’m a champion of colour and exuberance. I want the joy and pleasure I have making my works to go with them. Like coming home to a bouquet of wildflowers on the kitchen table—an unexpected pop, a wow moment on an ordinary day.
Alejandra Sieder (Venezuela, 1974) is a Graphic Designer and Visual Artist, graduated from the Miguel Neumann Design Institute in Caracas, Venezuela.
Sieder lives and works in Sydney, Australia. She creates works that go beyond the limits of painting and installation. Made with canvas, wood, Japanese ink and acrylic, Sieder’s work is characterized by his intense study of form, volume and materiality, as well as his great aesthetic care and conceptual subtlety, while his practice emphasizes temporal aspects and performative of the creative act.
These recent works show the characteristic methodology of the artist, which consists of creating works of art in three dimensions. Sieder is based on the presentation of the movement for the effect and that it played with the viewer in the first person. Its objective is to involve the audience in a new dimension within the visual experience and create a piece that effectively expresses the interrelation between matter, space and the sensations of the viewer.
In these new works, Alejandra Sieder transcends the limits of her usual practice by orchestrating works in 3D. This particular work combines the volume of matter and the visual of monochrome colour, becoming an unprecedented installation creating volumes in the gallery space. In the exhibition, the artist not only demonstrates her absolute mastery of the techniques she has been using but also her constant and versatile artistic evolution.
ARTIST STATEMENT
Since childhood, I have been focused on analysing the nuances of human behaviour. Later in my life, and through my studies in psychology, I have come to realise that often people are unable to reflect and identify the intrusive thoughts that fill their psyche, thus precluding any attempt to receive the so much needed help. This dark hole can be felt by many as a hopeless place. However, my paintings express that there is light in darkness. Through the reflection of oneself with the canvas, transcendence over diminished mental states begin to be possible.
My aim with this artworks was to create a painting in three dimensions. I wanted it to rely on the presentation of motion for effect and to play with the viewer in the first person. My goal is to involve the audience in a new dimension within the viewing experience. I feel that I created a piece that effectively expresses the interrelationship between the matter, space and viewer sensations.
I was interested in the analogy between the objects and human bodies. Rather than regarding the two entities as radically different – one being soulless and functional and the other governed by intuition and insight – I wanted to imply that humans might be more than irrational engines of conflicting lusts and urges, like dysfunctional machines. I wanted for them to feel something in their body through their eyes that reminds them that they are alive in their own bodies.
Greg Azorsky – Greg’s Doodle of the Day Project, launched on Facebook in 2016. Calling his style Abstract Minimalism, Azorsky brings color, structure and joy to doodling.
Azorsky’s training spans the gamut of both right and left brain contexts of the cortex. He holds a Juris Doctor from Southern Methodist University as well as a Certificate in Graphic Design from the Kansas City Art Institute. When he is not running a successful business in the recognition and awards industry, Azorsky has been a Fellow of the Midwest Jewish Artists Laboratory (2015-2017); Speaker for The Awards and Personalization Association; Kansas City Art Institute instructor (2015); and Co-chairman of The Jewish Arts Festival (2010 and 2013).
Greg has been a part of several group shows, but in March 2019, The Epsten Gallery in Overland Park, Kansas, presented his first solo exhibition that included 339 individual pieces covering three walls of the galley.
Work for his Doddle of the Day Project are created on his iPad, touched up on a computer, printed on an Epson Surecolor P800 printer, and mounted on panels or framed. While the doodling started as a pastime, it has now become a prolific artform. Azorsky’s doodle pieces number in excess of 600.
His Bauhaus Tel Aviv print has been purchased by buyers from around the world and is the best selling print in the Bauhaus Center in Tel Aviv, Israel. Azorsky also has work in Galerie Schön, Bonn, Germany.
