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Cette exposition n’est pas née d’une intention.

Elle est la résonance d’une promenade.Hiver 2014. Aux alentours de Gstaad, la première édition de Elevation 1049 touche à sa fin. Explorant ce parcours avec ma famille et une amie, elle aussi dans le monde de l’art, nous arrivons vers le soir devant l’installation Mürrischer Schnee de Thomas Hirschhorn (1957,Berne ; vit et travaille à Paris). Un campement temporaire au croisement de l’art, de la penséepolitique et du paysage alpin. Des abris en lattes de bois évoquant la crise climatique, les guerres, les famines et l’injustice sociale ; des igloos remplis de livres et de statistiques ; des bonshommes de neige coiffés de perruques et de masques de panda, leurs ventres ouverts révélant de petites bibliothèques — Robert Walser, Hannah Arendt, Martin Luther King. Un anti-monument, fragile et pourtant résolument présent.

Nous engageons la conversation avec Ueli, un habitant du lieu qui représente le projet pourl’artiste, avec Otto. Presque en passant, il prononce une phrase qui va rester en suspens :« Nous ne savons pas vraiment quoi faire de l’ours après la fin de l’exposition… » Sans y réfléchir longuement, je réponds que je le prendrais bien.

Mon nouveau bureau à Gland, un ancien espace de stockage doté d’un plafond véritablementcathédrale, me semble être un lieu approprié pour accueillir l’animal, taillé avec audace dans unbloc de polystyrène de plus de trois mètres de haut. Je donne ma carte à Ueli. L’épisode s’est ensuite dissipé.

Le lendemain après-midi, mon mobile sonne, numéro inconnu.Ueli, d’une voix un peu rauque :« Tu veux toujours l’ours ? » Un peu interloquée, je réponds :« Mmh… oui ! »« Mais tu dois payer le transport. Six cents francs. » Le soir même, l’ours était là.

Le passage par le monte-charge et les couloirs de l’ancien bâtiment a été possible — jusqu’à laporte de mon bureau. L’ours ne passait pas. Il ne pouvait pas rester dans les espaces communs.Pour le faire entrer, on a dû le scier en deux, puis le reconstituer à l’intérieur.

C’est ainsi qu’il a pris place, présidant silencieusement à mon évolution en tant que critiqued’art, non sans donner rapidement à mon travail une dimension engagée. J’aurais été —étonnamment — parmi les premières dans ce métier en Suisse à parler de la crise climatiquenon comme d’une possibilité, mais comme d’une réalité en train de se déployer à une vitesse exponentielle.

Mais l’ours n’était pas la seule pièce de Mürrischer Schnee à trouver le chemin de Lauenen àGland. Avec lui sont également arrivées des pancartes que les bonshommes de neige tenaiententre leurs mains. L’une d’elles, particulièrement agressive, est rédigée en français :« Regarde bien ta Rolex, c’est l’heure de la Révolte ! »

À première vue, face à la pancarte, on croit lire révolution, parce que c’est le mot que l’on attend. Le terme « révolution » est aujourd’hui employé comme un mot-usine — dans le champ culturel comme dans celui de la politique, de la technologie ou encore du management. Mais les révolutions réelles furent sanglantes, destructrices et d’une durée douloureusement longue. L’idée qu’un monde meilleur surgisse rapidement après de profonds bouleversements, relève d’une illusion. Mais l’œuvre insiste sur un autre terme : révolte qui condense mieux l’idée d’unsoulèvement grass roots jamais achevé, mais une attitude, une énergie, un refus actif et continu.

Dans ce contexte, d’autres pancartes prennent une force singulière : des mots simples, formulésen allemand à l’orthographe parfois libre : « Gesundheit » (santé), « Lebenssinn » (sens de la vie),« Lernen-Kônnen » (savoir apprendre), « Freundschaft » (amitié), « Lebensfreude » (joie de vivre),« Lebensqualität » (qualité de vie), « Authentizitât » (authenticité), « Nur Philosophie – hilft »(seulement la philosophie – aide) et « Eigenverantwortung » (responsabilité personnelle). Non pas des slogans, mais des conditions préalables à une vie bonne dans le sens aristotélicien.

Je dois maintenant quitter ce bureau. L’espace est vidé et fraîchement repeint. Pour un brefmoment, il devient un lieu d’exposition. L’Ourse — car c’est ainsi que je perçois désormais l’animal, après hésitations et discussions avec maintes personnes plus savantes en biologie que moi — y est présentée avec les pancartes de Mürrischer Schnee, ainsi qu’une série répétitive d’une affiche du photographe, écrivain et militant pour l’environnement Peter Tillessen (1969,Hanau/D ; vit et travaille à Zurich et au Tessin).

Tillessen a photographié, vingt-cinq ans après Andreas Gursky, un même fragment de forêtenneigée au col de l’Ofenpass. Alors que les photographies de Gursky atteignent aujourd’hui desvaleurs de plusieurs millions aux ventes aux enchères, Tillessen a choisi d’imprimer son œuvresous forme d’affiche en 6000 exemplaires et de la vendre pour un franc — au Centre de laPhotographie dans le cadre de son exposition Superficial Projects et dans une filiale de la Migros.Un geste radical d’accessibilité. L’édition est entre-temps quasi épuisée.

Ensemble, L’Ourse, les pancartes de Hirschhorn et les affiches de Tillessen forment uneconstellation temporaire. Un retour hivernal, avant que l’animal ne poursuive sa route. Car ce projet ne se conçoit pas comme un point final, mais comme un déplacement.L’Ourse voyagera, portant ses messages — silencieux, ambigus, dérangeants.

Peut-être est-ce là sa tâche.

–– Katharina Holderegger Rossier

L’exposition sera vernie le 28 entre 17 et 21 heures et ouverte  ouverte le dimanche 29 ainsi que le lundi 30 de 14 à 17 h.
Puis elle sera encore une fois à visiter le week-end du 4 au 5 et 14 à 17h. Ou sur rendez-vous.
>>Visible jusqu’au 17 janvier

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Katharina Holderegger Rossier

Historienne de l’art, critique d’art,

commissaire d’exposition (AICA)

Bureau

Avenue du Mont-Blanc 31

En route 

kholderegger@hotmail.com
+41 79 252 22 70

Le 5 juin 2025, de 18h à 22h, SOMA vous invite à son tout premier vernissage : un moment à ne pas manquer pour découvrir un nouveau centre d’art contemporain genevois, mais aussi une exposition ambitieuse pensée en collaboration avec le MAMCO. Intitulée Psot Netebras Xul, cette exposition inaugure non seulement l’espace SOMA, mais aussi la première saison du programme hors-les-murs du musée.

Installée dans un ancien site industriel au cœur des Eaux-Vives, SOMA réactive l’histoire architecturale et culturelle des lieux en tissant un lien fort avec les typologies d’espaces bruts que le MAMCO a su investir depuis ses débuts. Le résultat ? Un écrin vivant, pensé pour accueillir les énergies artistiques les plus actuelles.

Psot Netebras Xul revient sur la scène genevoise des années 1990 à aujourd’hui, en réunissant des œuvres issues des collections du MAMCO et des productions plus récentes. Cette constellation d’artistes – parmi les plus marquants de ces trois dernières décennies – illustre l’évolution perpétuelle d’un écosystème artistique singulier, souvent en marge, toujours en mouvement.

Vous y retrouverez notamment :

Timothée Calame, Valentin Carron, Emilie Ding, Sylvie Fleury, Bastien Gachet, Vidya Gastaldon, Fabrice Gygi, David Hominal, Lou Masduraud, Gianni Motti, Mai-Thu Perret, Pierre Vadi, et bien d’autres. Un casting exceptionnel pour une soirée qui s’annonce mémorable.

Et pour prolonger le plaisir des rencontres, le bar-restaurant éphémère « LIAISONS » sera ouvert durant le vernissage avec des assiettes et boissons signées Florian Le Bouhec (@liaisonseauxvives).

📍Infos pratiques

Vernissage : 5 juin 2025, de 18h à 22h
Adresse : SOMA, 32 rue de l’Avenir, 1207 Genève
Exposition visible du 6 juin au 7 septembre 2025
Jeudi : 14h–22h / Vendredi à dimanche : 14h–20h

www.somabureau.com

C’EST BIZ’ART

40 ans, 40 peintures, 40 éditions
et objets de Delphine Reist

Fondée en 1985, sous l’impulsion du peintre et pédagogue Gottfried Tritten, l’association BIZ’ART rassemble depuis  quarante ans des amateur·rice·s d’art en quête de découvertes.

Curieuse, mobile et active dans l’édition, elle a su tracer en  Valais une trajectoire singulière, faite de rencontres, de partages  et d’un engagement constant pour l’art contemporain.

Avec :

🎉 Vernissage

📅 Vendredi 6 juin 2025
🕕 Dès 18h
📍 Le Manoir de la Ville de Martigny, Rue du Manoir 3, 1920 Martigny

Instagram / YouTube

ALL IMAGES : DR/RR

Vendredi 23 mai 2025 à 18h30 au Palais.

Cet événement est organisé dans le cadre du Printemps culturel 2025 autour de la thématique de la K-culture.

www.palais-galerie.ch

Printemps Culturel Neuchâtel

www.printempsculturel.ch

ARCHIVE

Stay at Home – Save Lives – Buy Art! C’est en suivant ce motto que Gowen Contemporary s’associe à la Vanderlove Letter pour vous proposer de rares gravures de Sébastien Mettraux à se procurer à tout petit prix.

Sans titre (constater, apprécier, décider, agir contrôler), 2015 
Linocut on vellum paper 70 x 50 cm Ed. of 7 + 2 AP
Prix : 700.- CHF TTC, encadré

Cette gravure reprend un schéma issu de l’illustration du processus décisionnel. 
Intitulé : constater, apprécier, décider, agir, contrôler.

Sans titre (Explosion atomique) 2014,
Linocut on vellum paper 80 x 60 cm Ed. of 25 + 5 AP
Prix : 700.- CHF TTC, encadré

Les « signes conventionnels » comprennent l’ensemble des signes, symboles et logotypes officiels utilisés à des fins de stratégie et de suivi dans le domaine de la cartographie militaire.
La gravure « sans titre, 2014 » reprend un de ces signes: le symbole d’une explosion atomique. Ce symbole, dont l’utilisation est pourtant hautement improbable, fait partie des signes de la réglette-chablon officielle éditée par l’armée suisse dans les années 80.
De prime abord, la forme de ce signe (un triangle inversé surmonté de 3 cercles) rappelle par analogie la forme d’un cornet de glace 3 boules. Cette gravure éditée à 25 exemplaires a la particularité d’être imprimée dans une couleur au choix de l’acquéreur (à la manière dont on choisit son cornet de glace).

Sans titre 2006,
Linocut on vellum paper 50 x 40 cm  Ed. of 25 + 5 AP
Prix : 520 CHF.- TTC, encadré

Cette gravure reprend un macaron signifiant « rien à déclarer », il est remis par les douanes à certaines personnes (notamment aux travailleurs étrangers) dans le but de pouvoir effectuer des contrôles simplifiés et plus rapides.

Bliss after Bill Gates 2006,
Photographic print on baryrta paper 30 x 40 cm   Ed. of 12 + 3 AP
Prix : 450.- CHF TTC, encadré

En 2001, Microsoft lance le système d’exploitation « Windows xp », qui sera vendu à plus de 210 millions d’utilisateurs.
Le fond d’écran par défaut de « Windows XP » titré « colline verdoyante » ou « Bliss » en anglais consiste en une photographie couleur, représentant une colline, et un ciel bleu tacheté de quelques nuages. 
« Une rumeur locale émettait l’idée que cette photographie aurait été prise en Suisse, à la Vallée de Joux, à quelques kilomètres de chez moi, par Bill Gates lui-même, alors qu’il visitait une prestigieuse entreprise horlogère. Ce fond d’écran, vu par plus de 200 millions de personnes quotidiennement, mais cependant totalement anonyme, s’avérerait être une sorte de « photo de vacances » de l’homme le plus riche du monde, représentant un endroit faisant partie directe de mon environnement familier. Ma démarche consistait à localiser, puis re-photographier la même colline, avec un cadrage aussi proche que possible de la prise de vue effectuée par Bill Gates. » –S.M.

Vignette 2006,
Linocut on vellum paper 60 x 50 cm   Ed. of 25 + 5 AP
Prix : 630.- CHF TTC, encadré

« Cette gravure fut la première de ma série, elle s’intitule « vignette », je l’ai effectuée en 2006, alors que j’étais étudiant aux Beaux-Arts à Genève et travaillais comme auxiliaire de douane à la frontière de Vallorbe. Mon travail consistait à vendre des vignettes autoroutières, intrigué du fait que cet objet (un autocollant qui se colle sur le pare-brise et qui atteste du paiement d’une taxe annuelle donnant accès aux autoroutes) prenne une forme esthétique séduisante, dans la tradition de l’art géométrique, j’ai décidé d’en faire une gravure dans une optique de détournement …à la manière d’un faussaire » – S.M.

Sans titre 2012,
Linocut on vellum paper40 x 40 cm  Ed. of 12 + 3 AP
Prix : 460 CHF.- TTC, encadré

Cette image reprend un détail du guilloché du Schweizerpass (passeport suisse, créé par l’atelier Roger Pfund (le guilloché est un motif composé de lignes entrelacées, destiné à éviter les contrefaçons)

Un peu, Beaucoup, Pas du tout 2010, (triptyque)
Linocut on vellum paper 30 x 30 cm (each) Ed. of 12
Prix : 700.- CHF TTC, encadré

Ces 3 symboles sont utilisés pour représenter les bâtiments légèrement, partiellement, ou totalement détruits suite à un sinistre

Sans titre 2012,
Linocut on vellum paper 30 x 40 cm Ed. of 12 + 3 AP
Prix : 430.- CHF TTC, encadré

Cette gravure reprend le motif de la carte de fidélité du géant suisse de la distribution, Migros. Ses conditions générales d’utilisation stipulent : « Vous autorisez Migros à collecter des informations sur vos achats auprès d’entreprises du groupe et à les exploiter à des fins de marketing ». Sous l’angle de bienveillantes offres de marketing, une surveillance est bel et bien présente et consentie.

Abstractions de contrôle 2013,
Linocut on vellum paper 
Four works 49 x 69 cm (each) Ed. of 30 + 3 AP
Prix : 1,950.- CHF TTC, encadré

Cet ensemble de 4 gravures reprend les éléments essentiels de mes travaux précédents de la série « abstractions de contrôle » démarrée en 2005. Cette série, s’intéressant aux motifs sécuritaires et au monde du contrôle a régulièrement intégré les motifs de la case, du cercle, et de la ligne guillochée. Ces 4 gravures représentent (de gauche à droite) :
1) un motif d’enveloppe sécurisées : motif à priori destiné à ne pas être vu, il est imprimé à l’intérieur des enveloppes pour empêcher la lecture du contenu par transparence. 
2) le motif désignant une zone sinistrée sur les cartes suite à une catastrophe ou attaque. 
3) Un motif sécurisé issu d’une carte de crédit. 
4) La copie du guilloché de ma carte d’identité (le guilloché est un motif composé de lignes entrelacées, destinées à éviter les contrefaçons) – S.M.

Sans titre (WAIS-IV) 2012,
Linocut on vellum paper 15 x 15 cm 20 x 20 cm
Ed. of 12 + 3 AP
Prix : 400.- CHF TTC, encadré

Ce petit diptyque reprend l’image d’un système de cubes utilisés dans le test de quotient intellectuel de Waechsler, l’intérêt porte ici sur le fait qu’il est issu d’un système d’image visant à classifier la pensée.

Sébastien Mettraux (1984) fait sa première exposition individuelle dans une galerie d’art commerciale en 2019 chez Gowen Contemporary, Genève. Il a beaucoup exposé en Suisse dans divers espaces publics et musées. Il a reçu de nombreux prix et récompenses dont le Premier Prix du Patrimoine Vaudois 2019 avec le projet ‘Rock me Baby’, exposition itinérante dans trois musées du Canton de Vaud en 2020-202 : le Centre d’Art Contemporain d’Yverdon-les-Bains, la Maison d’Ailleurs et le Musée d’Yverdon; le prix Leenaards (2015) et le prix Swiss Art Awards, Office fédéral de la culture, Berne (2009). Il a récemment terminé la résidence d’art de l’Etat de Vaud à Berlin (2018-2019). 

En savoir plus : Sébastien Mettraux

Ex Machina, monographie

Contributors : Marco Costantini, Jean-Daniel Dessimoz, Gabriel Dorthe, Simon Leresche, Laurence Schmidlin, Karin Tissot

L’APAGE and Infolio, 2017
ISBN: 9782884747783
Prix CHF 38. – 

Pour toutes requêtes, s’adresser directement à Laura Gowen de Gowen Contemporary :

GOWEN CONTEMPORARY
Registered office and mailing address: place du Grand Mézel 2-4 
CH 1204 Genève
Gallery : 4 rue Jean-Calvin – CH 1204 Genève
T +41(0)22 700 30 68
info@gowencontemporary.com
www.gowencontemporary.com

Graphic Design, Type Design
2021

Human language shows itself in so many artifacts of visual expression. Letters, hieroglyphs, runes and icons — written language can work in many ways. Typography as we understand it today can serve us as a universal, reliable and longevous tool. What if we saw it as a playground? Designing on a molecular basis, questioning the smallest unit of design, we can reinterpret what typography means. Can it be a keepsake from a creative odyssey, a teacher, or simply just an ephemeral servant? “New Aesthetic” challenges typography as a tool in reading culture and in its functional shape—more so seeing letters in their individual appearance as artworks of their own. Independent type design doesn’t seek competition, it doesn’t seek utter perfection, it tells stories of formal exploration and creates an expressive form of art in itself. The expressive nature of non-traditional, more open typography is a new kind of creative output worth aiming for and worth exploring. Technical perfectionism and a classical understanding of polished shapes are not the main parts of our debate. More so, “New Aesthetic” wants to acknowledge creative processes and see the stories behind them, as well as encourage designers to keep an open attitude towards new forms, styles and systems. There is potential in blurring and obfuscating the lines of legibility and practicality, pushing the boundaries of emotional expressiveness and allowing for unusual approaches in modern graphic design. “New Aesthetic” considers type design as an opportunity to create art: looking at type design with a benevolence to experiments and processes, and finding potential in the unusual, that might point us into a new future of practicing visual communication.

Following up to the first issue, New Aesthetic 2 is a collection of 98 amazingly unique typefaces by independent designers on 303 pages.

Order New Aesthetic 2 here

Publisher: Sorry Press, Munich
Editors & Curators: Leonhard Laupichler & Sophia Brinkgerd
Content Direction: Lukas Kubina 
Design: Leonhard Laupichler & Sophia Brinkgerd
Oliver Schwamkrug, Mohamad Fawal
Creative Direction: Wiegand von Hartmann

HEY BOYS !

Summer Boys est le titre de la nouvelle série de photographies de Stefan Botez. Bien que l’artiste roumain installé à Genève est plus adepte de l’art vidéo et des installations, où il explore la jeunesse masculine, à travers l’iconographie des statues grecques, du fitness, ou même des sports de combat…

Pourtant, c’est à travers la photographie que cette fois-ci, Botez entraîne sa caméra dans des tribus de jeunes hommes où, tour à tour, les corps s’entraînent, s’étirent, se prélassent au soleil. La légère mise en scène de son regard resserré se lie à une dynamique documentaire où l’on examine la sensualité et la beauté… Par réflexe visuel, on serait tenté juste d’y voir une entreprise érotique, ou une esthétique pornographique, tant les visages sont absents, la nudité concentrée sur le corps du sujet.

Pourtant, derrière ces photographies, se cache le désir de comprendre les corps dans l’espace, de percer à jour un groupe, de découvrir comme un photographe animalier une espèce, mais aussi de créer des images qui disent notre imaginaire contemporain.

Car si ces photographies, volées au bord du lac Léman, dessinent une fresque qui paraît inoffensive au premier coup d’œil, quand l’ensemble s’imprègne dans la rétine, elles deviennent politiques.

La mise en photographie homogénéise clairement les différences personnelles. Les garçons sont délestés de toute reconnaissance faciale, les torses sont interchangeables, très similaires. Les corps minces, blancs. Par là, l’artiste questionne le genre, ses codes, le droit à la différence, l’homogénéisation de nos images, celles des réseaux et de nos vies. Rien n’est naïf ! Le traitement des couleurs et des textures le montrent bien. 

Voici tout l’art de Stefan Botez : proposer des images sentimentales, sensuelles, créer une image poétique du garçon sensible qui dissimule le drame doux du genre et de nos vies. 

Texte par Julie Gil
Historienne de l’Art et musicienne,
Octobre 2022

Summer Boys, 2022
Tirages argentiques montés sur aluminium, 
40x30cm

L’artiste : Stefan Botez

Dans son travail le passé le présent et le futur ne semblent pas se succéder, mais plutôt faire partie du même espace-temps, comme dans un multivers à plusieurs strates. En conséquence, son discours qui affiche une réflexion sur des notions d’esthétique de la masculinité devient plus ambigu et plus profond.

Stefan est un des artistes associées de L’Abri Genève (2021). 
Son travail a été présenté à la : Wonnerth Dejaco Galerie, Vienne (2022), Fondation L’Abri, Genève (2022), Triumf Amiria – Le musée de la culture queer[?], Bucarest (2022), Kunsthalle Bega, Timișoara (2021), MNAC, Bucarest (2020), Kunstraum Walcheturm, Zürich (2019), Maison des Arts de Grütli, Genève (2018), Vidéo Deli #1, Paris (2018), Palazzetto Bru Zane, Venice (2017), The Art Encounters Biennial, Timișoara (2017), Milkshake Agency, Genève (2014), MAMCO, Genève (2014), Hebbel Am Ufer, Berlin (2014), Nassauischer Kunstverein, Wiesbaden (2014), An Lanntair Arts Center, Isle of Lewis (2013), Le Musée National Brukenthal, Sibiu (2011), etc.

Nommé pour le prix Plateforme 10, HEAD – Genève (2014) il a gagné le prix Open Frame, Go EAST, Deutsches Filminstitut & Filmmuseum, Frankfurt (2014).

On retrouve son travail en print aussi bien qu’en ligne dans des publications telles que : Metal Magazine, Barcelona (2022), Blok Magazine, Varsovie (2022), Art Viewer, Anvers (2022), Kuba Paris, Bonn (2022), Vanderlove Letter, Genève (2021) Kilobase Bucharest A – Z, Bucharest (2021), The New York Times, New York (2018), Mousse Magazine, Milano (2013), il a aussi été publié dans de multiples catalogues d’expositions comme celui de la Biennale d’art Art Encounters, Timișoara (2017).

Son travail fais partie de la collection du Musée national d’art contemporain de Bucarest (MNAC), et d’autres collections privées.

PDF complet et liste des prix sur demande via hello@vanderloveletter.ch